Como desarrollar la creatividad en los niños.

Sesión 151110
Artes Plásticas.


La Creatividad. Desarrollo de la creatividad en los niños.


“El Individuo creador se caracteriza por la persistencia de sus motivaciones y por la intensidad de los motivos que lo llevan a superar los obstáculos y a vencer las barreras que se le oponen.”
Dadami

“El arte supremo del profesor consiste en despertar la alegría por la expresión creativa y el conocimiento.”
Albert Einstein

“La enseñanza debería ser tal que permitiese percibir lo que se ofrece como un regalo valioso y no como un duro deber.”
Albert Einstein


Introducción.

Mi concepto de creatividad, es clave para entender sus derivaciones o transposiciones a la enseñanza: para mí la creatividad no es sólo un conjunto múltiple de formas y capacidades de pensamiento creativo total (inteligencia lógica analítica, problematizadora, simbólico-matemática, sinóptica e integradora, fluido-torbellínica, analógica...), sino un conjunto de formas y estilo de expresión creativa total (literaria, corporal, sonoro-musical, plástica, cinemática y simbólica) cuya práctica continuada alumbra el genio y talento y un yo único, un estilo de ser, un pensar y hacer equilibrado y con un sentido personal y singular del ser.

David de Prado


Conceptos.

. Para Arnold Toynbee "El talento creativo es aquel que, cuando funciona efectivamente, puede hacer historia en cualquier área del esfuerzo humano".
. Según Dense Morales “La creatividad es un conjunto de aptitudes inherentes en cada ser humano, condicionada por diferentes variables que influyen en las respuestas o resultados ante una problemática determinada, como: la inteligencia, la personalidad, las necesidades humanas, la cultura, el medio o entorno y las capacidades cognitivas.
. Guilford determinó que “La creatividad implica pensamiento divergente; representado por la fluidez, flexibilidad, sensibilidad y originalidad de los procesos de pensamiento; y también es una actitud ante la vida; ya que involucra cualidades no sólo intelectuales, sino también emocionales, sociales y de carácter”.

Entre las características esenciales del pensamiento creativo se encuentran las siguientes:

• La fluidez.
• La flexibilidad.
• La originalidad.
• La elaboración.

.La fluidez: se refiere a las capacidades que tienen los seres humanos de generar una cantidad considerable de ideas o respuestas a diversos problemas; se debe motivar a los estudiantes que el alumno puedan utilizar el pensamiento divergente, esto se realiza con el fin de que tenga varias opciones para resolver su problema, generalmente la primera respuesta que encontramos no es la mejor y nosotros estamos acostumbrados a quedarnos con la primera idea que se nos ocurre, por eso es necesario tener varias para seleccionar la más adecuada.
• Flexibilidad: se trata de manejar las opciones en diversos aspectos o categorías de respuesta, se debe buscar para obtener una visión más amplia, o diferente a la habitual.
• Originalidad: es el que más caracteriza la creatividad y que lleva a pensar en ideas novedosas o pensar en solucionar los problemas de manera diferente; lo que trae como consecuencia que se puedan encontrar respuestas innovadoras a los problemas.
• La elaboración: es aquella que nos permite añadir elementos o detalles a ideas que ya existen, cambiando alguno de sus atributos, debido a la utilización de ella, es que ha avanzado más la industria, la ciencia y las artes.
Por ejemplo: los teléfonos, desde su origen hasta nuestros días, ha sido modificado constantemente, tanto en su diseño como en sus funciones.

Etapas del proceso creativo.

• Preparación. Es la que se produce en el momento en que se revisan y exploran los detalles de los problemas que existen en su entorno, su utilización está relacionada la capacidad de pensar sobre la situación en la que se quiere intervenir.
•Incubación. En esta etapa se establecen relaciones de todo tipo entre los problemas seleccionados y las posibles opciones y estrategias de solución, se toman en consideración todas las ideas con el fin de visualizar la posible solución desde diversos puntos.
•Iluminación. Es muy importante en este proceso creativo, representa el momento en que se llega a la solución del problema antes planteado.
•Verificación. Es en esta etapa del proceso en donde se pone en acción la idea trabajada con anterioridad, para ver sí realmente cumple con el objetivo para el cual fue concebida, permite confirmar si realmente la idea creativa es efectiva o no.
El docente a través de este proceso puede visualizar las fases de producción de las ideas creativas, además le permite pensar en las etapas que puede trabajar en el aula de clase para identificar si sus estudiantes pueden tener alguna idea que llegue a ser creativa, así mismo, permite conocer en qué parte del proceso se encuentra cada uno de sus alumnos, determinar las posibles necesidades de apoyo que ellos puedan tener y lograr que el pensamiento creativo en el aula sea cada vez más efectivo.

Sternberg, propone seis recursos para trabajar la creatividad:
• La inteligencia.
• El conocimiento.
• Los estilos de pensamiento.
• La personalidad.
• La motivación.
• El contexto medioambiental.

• La inteligencia: juega un papel importante en la creatividad, ya que permite generar ideas, redefinir problemas y buscar ideas que funcionen. La inteligencia es la que aporta elementos importantes para el análisis de la información, como la codificación selectiva, la combinación selectiva y la comparación selectiva, requeridas en un pensador creativo. Además es importante saber cuál idea es buena y cuál no lo es, qué recursos hay que asignar para su solución, cómo abordarlo y cómo evaluar nuestra intervención

• El conocimiento. Para ser creativos es necesario tener conocimiento del área en donde se está buscando la idea creativa, es fundamental poseer conocimiento formal e informal de nuestro campo El conocimiento da la posibilidad de hacer propuestas serias y funcionales que no sean pura ciencia ficción, permite que una persona centre su atención en generar ideas innovadoras y no pierda tiempo en cuestiones básicas.

• Los estilos de pensamiento son los modos en que la gente prefiere utilizar las capacidades intelectuales de que dispone, se pueden identificar tres estilos de pensamiento: el ejecutivo, el legislativo y el judicial.
Los estilos definen los enfoques como se abordan los problemas y también hay algunos que fomentan más que otros el desarrollo de la creatividad; por ejemplo, el estilo legislativo tiene que ver más con el diseño de situaciones, con la iniciativa y el reto de abordar problemas que no están acabados, con proponer estrategias audaces o no convencionales, mientras que los otros estilos del pensamiento están más asociados a cuestiones lineales y convencionales.

• La personalidad es otro de los recursos que interactúa en la producción creativa y se refiere a la forma en que un individuo se relaciona con el entorno; aquí se habla de la perseverancia ante los obstáculos, la voluntad para asumir riesgos, la voluntad para crecer, la tolerancia a la ambigüedad, la apertura a las nuevas experiencias, la confianza en sí mismo, entre otros rasgos de la personalidad que permiten que el pensamiento creativo se desarrolle
• La motivación es importante porque es el motor que genera la energía suficiente para profundizar en los trabajos, que de otra manera nos causarían cansancio con facilidad. La motivación elevada provoca entusiasmo y placer no sólo en la tarea, sino también en las metas.
• El entorno y la creatividad son dos elementos unidos por una relación estrecha. El entorno debe presentar problemáticas que motiven al trabajo creativo; esto significa que los entornos adversos son requeridos para generar ideas creativas, pero requerimos entornos retadores y alentadores del pensamiento creativo, con condiciones que permitan florecer y crecer las ideas creativas, que no las aniquilen antes de madurar.

La escuela tiene que constituirse en un entorno provocador de la expresión creativa, para ello se requieren contextos abiertos a la opinión de todos los participantes, consignas claras y ambiciosas que generen ideas diferentes.

Tipos de pensamientos intervienen en la creatividad.

• El pensamiento divergente es considerado como uno de los más importantes de la creatividad, porque abre las posibilidades existentes en una situación determinada, sin que esté limitada unas ideas centradas en una lógica convencional.
• Edward De Bono, propone el pensamiento lateral y lo define como "tratar de resolver problemas por medio de métodos no ortodoxos o aparentemente ilógicos". Consiste en desplazarse hacia los lados para probar diferentes caminos; los descubrimientos que permiten el avance de la ciencia se generan por que alguien probó una manera diferente de hacer las cosas con resultados favorables. La originalidad tiene gran influencia de este tipo de pensamiento; pensar en las soluciones poco comunes permite visualizar las situaciones desde perspectivas laterales.
• Taylor es el creador del pensamiento productivo, lo define como de un tipo de pensamiento que genera muchas ideas diferentes, originales y elaboradas; forma parte de los talentos que propone para llevarlos a las aulas.
.El pensamiento convergente, aunque parezca contradictorio, existe ayuda de este pensamiento para el desarrollo serio y efectivo de la creatividad, ya que aporta elementos necesarios para cerrar, posterior a su apertura, las opciones generadas.
.El pensamiento crítico de igual manera ayuda en la toma de decisiones y en la implementación de las ideas

Aportes de la creatividad a la educación.

El maestro, debe tomar en consideración los siguientes aspectos:
· Motivar a los niños para que aporten la mayor cantidad de ideas acerca de cualquier situación planteada.
· Se les debe dar a los estudiantes la libertad necesaria para que puedan expresar todas las ideas.
· Se les puede estimular para que piensen ideas diferentes a las cotidianas.
· Estimular a los estudiantes para que expresen ideas poco comunes para resolver los problemas planteados por el docente.

Motivarlos para que realicen un esfuerzo para complementar sus ideas para que las mismas sean más eficaces.
Permitirle que escuchen las opiniones de sus compañeros, para que se puedan enriquecer las opciones que se tienen para la resolución de los problemas.

Para Taylor el aporte la creatividad a la educación es el siguiente:

“Queremos estudiantes que sean pensadores, investigadores e innovadores; no sólo aprendices, memorizadores e imitadores; no repetidores del pasado, sino productores de nuevos conocimientos; no sólo versados en lo que se ha escrito, sino alertas a encontrar lo que aún no se ha escrito; que no sean capaces únicamente de ajustarse al medio, que lo ajusten a ellos; no sólo productores de escritos de imitación, sino de artículos creativos; no sólo ejecutantes de alta calidad, también compositores y creadores de nuevos patrones”.

“El pensamiento creativo tiene que trabajarse desde la edad temprana hasta los niveles superiores, tiene que estar presente en todas las estrategias metodológicas que diseñe y ejecute el docente, tiene que estar directamente relacionado con las metas y objetivos de la educación, es importante que se considere como un hábito de la forma en que operamos nuestro pensamiento…”

Estrategias para desarrollar la Creatividad en la Educación:

• La creatividad como creación de problemas: la capacidad de plantear, identificar o proponer problemas, ya que las preguntas sean originales o no pueden obtener respuestas originales.
• El ver que el problema significa: integrar, ver, asociar donde otros no han visto; en este acto de darse cuenta, intervienen componentes actitudinales, sociales, y afectivos entre otros, incluyendo los procesos fisiológicos.
•La creatividad como un evento integrador: la creatividad es un proceso, una característica de la personalidad y un producto. Las personas hacen cosas creativas (productos), con determinados procedimientos (procesos), actuaron de determinada manera (característica de la personalidad).

Ejercicios para trabajar la creatividad con sus alumnos.

• Percepción mental:
Se dice la oración y se pide a los participantes que cierren los ojos. Se les pregunta su percepción acerca de lo que se dijo.

• Percepción visual:
Mostrar un cartel o cuadro.
Lo observan por tres minutos. Luego escriban: Ideas que le sugirió, sentimientos despertó, título que le pondrían.
Tomar palabras a lazar y formar un cuento, noticia, etc.

El Diseño. Tipos.Principios básicos.

Sesión 291010

El Diseño.

El diseño es pensar, planificar y crear formas u objetos que tengan utilidad y que también sean bellos. Sus bases están en el dibujo, la escritura, la técnica, la publicidad y la industria.
Etimológicamente está derivado del término italiano, designio, signare, signado "lo por venir", el porvenir, la visión representada gráficamente del futuro, lo hecho es la obra, lo por hacer es el proyecto, el acto de diseñar como prefiguración es el proceso previo en la búsqueda de una solución o conjunto de las mismas.
Las Artes Visuales se dividen en dos grupos fundamentales: Bidimensionales y Tridimensionales.
Las Bidimensionales, son aquellas que se realizan en una superficie plana y, tiene sólo dos dimensiones: largo y ancho. Por ejemplo, un cuadro, un dibujo, una fotografía, entre otros.
Las Tridimensionales son los que están formados por tres dimensiones que son: alto, ancho y largo. Por ejemplo un automóvil.
Las obras plásticas bidimensionales sólo se pueden apreciar desde el punto de vista frontal, mientras que las obras tridimensionales, pueden admirarse desde muchos ángulos, cada uno de los cuales ofrece una visión diferente de la obra.

Diseño Bidimensional

Llamado también diseño gráfico es el realizado sobre una superficie plana, pose dos dimensiones alto y ancho, permite concebir, programar, proyectar y realizar comunicaciones visuales, destinadas a transmitir mensajes específicos a grupos sociales determinados. Este tipo de diseño posibilita comunicar visualmente ideas, hechos y valores útiles para la vida y el bienestar del hombre
También se conoce con el nombre de “diseño en comunicación visual”, se ocupa de dar los mensajes visuales que se envían a través de muchos medios de comunicación, tanto impresos como digitales. Tipos de diseño gráfico son: el diseño gráfico publicitario, el diseño editorial, el diseño Web, el diseño de envase, el diseño tipográfico, los carteles, la señales, entre otros.

Principios básicos del Diseño

Los cuatro principios rectores del diseño gráfico son:
• El hombre: concebido como el centro de la sociedad de la cual forma parte y para quien el espacio visual es uniforme, continuo y ligado.
• La utilidad: es la comunicación, porque responde a una necesidad de información.
• El ambiente: es necesario el conocimiento de la realidad física para contribuir a la armonía del hábitat, y la realidad de otros ambientes para entender la estructura y el significado del ambiente humano.
• La economía: se relaciona con todos los aspectos relativos a el estudio del costo y la racionalización de los procesos y materiales para la ejecución de los elementos.

Los diseñadores gráficos son especialistas en comunicaciones visuales, para ellos la acción de crear un objeto visual no es sólo un aspecto del proceso creativo. Este proceso creativo incluye los siguientes aspectos:
• Definición del problema.
• Determinación de objetivos.
• Concepción de estrategia comunicacional.
• Visualización.
• Programación de producción.
• Supervisión de producción.
• Evaluación.
Además es necesario que el diseñador posea un conocimiento íntimo de las áreas de: Comunicación visual, percepción visual, administración de recursos económicos y humanos, tecnología, medios y técnicas de evaluación.

Diseño Tridimensional.

El diseño tridimensional establece un orden visual, en él se deben considerar simultáneamente varias perspectivas desde ángulos distintos.
Está formado por tres dimensiones: largo, ancho y profundidad, para obtener las tres dimensiones de cualquier objeto debemos tomar sus medidas en dirección vertical, horizontal y transversal.

Elementos conceptuales: los elementos conceptuales de un diseño tridimensional son el punto, la línea, el plano, y el volumen que es el recorrido de un plano en movimiento.
Elementos visuales: las formas tridimensionales se ven diferentes desde ángulos y distancias distintos y bajo diferentes condiciones de iluminación.


Se deben considerar los siguientes elementos visuales:
• La figura: es la apariencia externa de un diseño y la identificación principal de su tipo.
• El tamaño: se refiere a lo grande o pequeño, se puede medir sobre cualquier forma tridimensional en términos de longitud, anchura y profundidad.
• El color: está afectado por lo claro u oscuro, es lo que más claramente distingue una forma de su entorno.
• La textura se refiere a las características de superficie del material utilizado en el diseño. Puede ser lisa, rugosa, mate o brillante según determine el diseñador. Puede ser una textura a pequeña escala que acentúe la decoración bidimensional de la superficie o una textura más marcada.

Elementos constructivos:

• Vértice. Cuando diversos planos confluyen en un punto conceptual, tenemos un vértice. Los vértices pueden ser proyectados hacia fuera o hacia adentro.
• Filo. Cuando dos planos paralelos se unen a lo largo de una línea conceptual, se produce un filo. También pueden producirse hacia fuera o hacia adentro.
• Cara. Un plano conceptual que está físicamente presente se convierte en una superficie. Las caras son superficies externas que encierran a un volumen.
• Forma y estructura una forma tridimensional puede tener múltiples figuras bidimensionales cuando se la ve sobre una superficie lisa. Esto supone que la figura es sólo un aspecto de la forma.


Ejercicios de expresión gráfica.

La dáctilo pintura: la pintura a dedo favorece la educación de la mano para la expresión gráfica, también es un excelente medio para eliminar las inhibiciones, facilita la evolución y expresión de la personalidad infantil. Su empleo envuelve una variedad de sensaciones visuales, táctiles y kinestésicas.
Se puede realizar dáctilo pintura con:
• Pasta especial, barro, masa flexible.
• Engrudo coloreado cocido.
• Cola plástica y tempera espesada con harina
• Témpera espesada con jabón común rallado.
Modos de usarla: con las palmas dedos uñas, canto de la mano, nudillos, codos, antebrazos y pies.

Pintar Escurriendo:
Para esta técnica se prepara pintura ligera con témpera y agua luego se coloca una cantidad en una hoja de papel y se deja escurrir, moviéndola, hasta conseguir una forma, se pueden utilizar varios colores.

Pintar Soplando:
Para pintar soplando: se prepara un pintura muy líquida (témpera y agua), se colocan gotas de esta pintura en una hoja, posteriormente con un pitillo, cortado en trozos pequeños, soplas hasta regar toda la pintura para conseguir formas.

La Escultura. Tipos. Materiales. Técnicas.

Sesión 011010
Artes Plásticas

La Escultura. Concepto.

En la Real Academia de la Lengua se encuentra:
Esculpir: Del latín. Sculpere. Labrar a mano una obra de escultura, especialmente en piedra, madera o metal.
Escultura: Del latín. Sculptura. Arte de modelar, tallar o esculpir en barro, piedra, madera, etc., figuras de bulto.
La pieza escultórica, se puede acariciar, para experimentar la calidad táctil de sus superficies, calidad que dependerá no sólo del material empleado sino del tratamiento dado a los planos o superficies externos como es la creación de diversas texturas.

Técnicas Escultóricas.

Tallado: se da forma a la escultura cortando o extrayendo el material superfluo hasta conseguir la forma deseada. El material siempre es duro y con frecuencia, pesado, como la piedra y la madera. Se utilizan martillos, cinceles, mazas y gubias.
Modelado: se utilizan materiales blandos y flexibles, a los que se puede dar forma fácilmente, como la cera, yeso y arcilla. El escultor trabaja con sus manos, ayudándose de diversos instrumentos. La escultura puede ser el resultado de un proceso de sustracción y se logra mediante el proceso de quitar material y el de la adición cuando se le incorpora material a la figura.
Fundición: el metal no puede esculpirse directamente, es fundido y luego vaciado a moldes de piedra o barro cocido. Una vez frío, el molde se rompe y la obra queda a la vista. La escultura en metal exige un modelo concebido con anterioridad cuyo volumen sea idéntico. A partir de ese original se realizan en negativo los moldes, que permiten el vaciado, lo que hace posible llevar a cabo cuantos originales se deseen. Un procedimiento en la fundición es el vaciado, exige la construcción de un núcleo, a modo de soporte, sobre el que se colocan los moldes, dejando un espacio vacío para la aleación. Otro método muy común es el de la cera perdida: consiste en revestir de cera un soporte de material refractario; una vez modelada la cera, se cubre de nuevo y se calienta; la cera se funde y deja el hueco que habrá de cubrir la aleación.
Ensamblaje: este término viene del collage, consiste en pegar papeles y otros materiales sobre una pintura, se utiliza para referirse a las construcciones hechas con materiales diversos.
La idea de integrar elementos de procedencia diversa, con la intención de configurar como una pieza escultórica unitaria está, con frecuencia, presente en la tradición histórica, aunque el desarrollo sistemático de la idea de escultura como construcción, en su doble dimensión técnica y conceptual, está estrictamente ligado a las aspiraciones del arte contemporáneo.
Cuando estos objetos se integran en una escultura, el resultado se denomina ensamblaje. El volumen resultante es susceptible, de ser fundido en otro material.


Las Esculturas son trabajadas con diversos instrumentos tales como: las puntas de madera, distintos tipos de paletas y paletillas, telas húmedas y fundamentalmente, la mano, que otorga una dimensión creativa directa a la tarea.
En el caso de la pieza escultórica modelada es preciso diferenciar la que constituye una obra final concebida como tal o la que supone un momento del proceso que desembocará en la obra definitiva, bien en piedra o bien fundida.

La Escultura. El Volumen.

Se puede experimentar en las piezas pequeñas de escultura, en aquellas que se pueden envolver con las manos, porque de lo contrario se exige el esfuerzo mental que Moore requiere del escultor, al decir que “cualquiera que sea el tamaño de la forma escultórica, el artista la concibe en su cabeza como si la estuviese sosteniendo completamente encerrada en el hueco de su mano”.
Por otra parte, el volumen, la tridimensionalidad, no debe ser apreciado como una simple coherencia de los planos o de las superficies, por el contrario esta sensación no debe ser relacionada sino integral, sabiendo «cuando se mira una parte, cómo es la otra», es decir como si se estuviera a marcando en su totalidad.

Escultura. Materiales

El mármol es el material más usado en la escultura desde la antigüedad clásica. Su dureza hace que tolere los golpes del cincel sin que se produzcan fisuras falsas.
El alabastro es una materia blanda. El escultor debe trabajarlo con mucho cuidado debido a su naturaleza quebradiza, ya que, al revés del mármol, se desportilla y araña, el tono amarillento del alabastro aproxima la estatua a la vida.
EL granito es una piedra de grano grueso. El escultor ha de sintetizar, evitando expresarse con aristas.
Las maderas duras (nogal, caoba) son especialmente indicadas para una talla minuciosa, que permita examinar la gracia de las vetas.
El barro cocido es el material apto para los bocetos; con él se han realizado esculturas de tamaño natural. Por su plasticidad, es adecuado para lograr efectos realistas, las arrugas, los cabellos, el modelado de los pliegues, permite darle naturalidad a la obra.
La cera, se emplea en la preparación de bocetos, se utiliza en esculturas pequeñas.
El bronce es una materia duradera, costosa, y exige una técnica difícil, se ha convertido en uno de los materiales preferidos en las obras de los centros religiosos. El bronce se utiliza en los retrato y en grupo escultórico, puede estar a la intemperie, pues su herrumbre le proporciona una capa protectora.

Tipos de relieves.

Varían de acuerdo a lo sobresaliente que se encuentre respecto a la superficie plana sobre la cual fue elaborado y pueden ser:
• Altorrelieve cuando la figura sobresale del plano más de la mitad de su volumen.
• Medio relieve cuando la mitad del volumen de la figura sobresale del plano.
• Bajorrelieve, cuando la figura sobresale del plano menos de la mitad de su volumen.
Otra clasificación será relativa a la función para la que fue concebida la escultura: las ornamentales tienen un fin decorativo y las monumentales son las que recuerdan un hecho o a un personaje.

Clasificación.

También la escultura se divide en dos grandes grupos:
La escultura adosada a la pared o muro.
Las exentas o de bulto redondo, que tienen la particularidad de poder ser observadas desde distintos ángulos, porque el espectador puede rodearlas y los relieves, esculpidos o tallados a partir de una superficie plana, sobresaliendo de esta y que están vinculados a la arquitectura, al ubicarse en paredes, puertas, columnas o entradas de iglesias o edificios.
Esta clasificación, también tienen algunas subdivisiones: las esculturas de bulto redondo reciben distintos nombres de acuerdo a la forma en la que están colocadas: erguida, cuando la única figura está de pie; sedente, cuando está sentada; orante, cuando se encuentra rezando; yacente, cuando la figura está tendida o recostada; ecuestre, cuando es colocada sobre un caballo; busto, cuando se representa sólo la parte superior del cuerpo humano.

Evolución de la Escultura

La perteneciente a la época Prehistórica.
Ellas se han encontrado en las cuevas animales tallado, el principal ha sido el reno, seguido por el caballo; estas esculturas son de pequeño tamaño.
No obstante se han descubierto tallas de caballo esculpidos, de gran dimensión en las paredes de las cuevas. Entre las principales esculturas se encuentra la Venus, que representaban la fertilidad. Muy importante destacar la presencia de estatuas de bronce con intención votiva.

Escultura Colonial.

La escultura ofrece escaso interés en la época colonial. Entre los misioneros llegaron algunos artistas y así, en el s. XVII, fray Fernando de la Concepción, sobresalió en la talla de retablos.
La temática de la escultura colonial en Venezuela fue religiosa, las imágenes para el culto fueron traídas desde España, la reproducción de los santos, se hicieron en los talleres que abrieron los misioneros, la producción principal estuvo dedicada a retablos, altares e imágenes talladas, entre otros, Con el propósito de darles mayor realismo y siguiendo la tradición de la imaginaria española, a estas imágenes se les colocaban pelucas, trajes a la medida y otros accesorios.

Procedimientos utilizados.

Imágenes de talla completa: cuando los rostros, manos y tajes están tallados en la madera que luego era policromada.
Imagen de vestir: cuando solamente tenían talladas el rostro y las manos y eran vestidas con trajes y accesorios verdaderos.
Imagen de tela enconada: cuando se les tallaba el rostro y las manos y el traje se les moldeaba con telas engomadas y pintadas.
Imagen de relieve: cuando sólo se tallaba un lado de la tabla y también se coloreaba.
Imagen de Botella: una especie de tríptico único con pequeñas bisagras que cerrado adquiría la apariencia de una botella.

Características de la Escultura Contemporánea.

Las esculturas contemporáneas tienen como característica principal el cambio; durante el siglo XX se pierden las tradiciones técnicas, es por esto que en este período se buscan nuevas funciones y simbologías. Este tipo de obras ya incluye otros materiales que antes no eran tenidos en cuenta.
La escultura contemporánea es la que experimenta una revolución más radical; esto sucede porque sus tendencias evolucionan siguiendo un camino paralelo al de la pintura; su punto más alto lo alcanza con el cubismo. Aquí la figura humana toma formas geométricas; otra característica es el “patetismo” encontrando así un lenguaje escultórico nuevo.
El impresionismo fue un movimiento antiguo, principalmente pictórico, que brindó algunos aportes al mundo de la escultura, A partir de allí es donde comienza la era de las esculturas contemporáneas, se rompen los cánones académicos y se deja de lado a la importancia de las críticas del arte oficial.
Uno de los principales exponentes de la escultura Contemporánea, fue Picasso quién construyó una cabeza de toro con una silla y una manivela de una bicicleta, de esta forma vemos que un objeto tomado de la vida real se incorpora a una escultura y se convierte en obra de arte debido a que se le otorga un valor puramente estético.
La escultura contemporánea es sin lugar a dudas la que experimenta una revolución más radical; esto sucede porque sus tendencias evolucionan siguiendo un camino paralelo al de la pintura; su punto culmine lo alcanza con el cubismo.
Aquí la figura humana pierde su omnipresencia para dar paso a las formas geométricas; otra característica que podemos ver en las esculturas contemporáneas es el “patetismo” encontrando así un lenguaje escultórico nuevo.

Sesión 030910 La expresión artística del niño.

La expresión artística en el niño. Evolución de dibujo infantil en base a edades cronológicas.

La expresión plástica ofrece a los niños medios directos y naturales con los cuales expresarse, la práctica del dibujo, el modelado, la pintura y las construcciones son importantes en el desarrollo del niño.
La expresión artística del niño es rica en imaginación y originalidad en las primeras etapas, pero a medida que ellos van creciendo y pasan a etapas superiores, se va perdiendo estas manifestaciones.
Especialistas en el área han determinado que a los niños les interesa más el acto de realizar una actividad que el resultado de la misma, para ellos es más importante el proceso que el producto terminado.
Los niños cuando realizan un modelado o una pintura, tratan de ejercitar sus manos y su imaginación y no el logro de una obra artística.
El docente debe tomar en consideración que para los niños la utilización de los colores puros, la no aplicación de la perspectiva, las incorrecciones en las proporciones de los dibujos son entre otros, productos de su imaginación y a él no le interesa realizar una copia fiel de la realidad.

Características de la expresión artística en niños entre cuatro y siete años.

- Vinculación de sus pensamientos con el mundo exterior.
- Realizan sus obras plásticas con cierto sentido de orden y organización.
- En el dibujo de la figura humana omiten alguna de sus partes.
- En sus dibujos destacan lo que más le interesa.
- Utilizan muchos colores.
- Crean conscientemente ciertas formas relacionadas con el mundo que los rodea.

Características de la expresión artística en niños entre siete y nueve años.

- Se ubican en la etapa esquemática simbólica.
- Utilizan figuras geométricas para las representaciones de sus figuras.
- Los dibujos son más lógicos que visuales.
- En sus obras existe más variedad de forma, proporción y tratamiento de la superficie.
- Todo lo que le interesa lo plasman en sus dibujos.

Características de la expresión artística en niños entre nueve y once años.

- Le interesa expresar las líneas con mayor perfección.
-Muchos de sus dibujos son repetición de lo que ve y sus representaciones son rígidas.
- Pueden vincular el espacio con la distancia.
- Aplican la textura y el claroscuro para dar volumen.

Características de la expresión artística en niños entre once y trece años.

- Pierde un poco la espontaneidad.
- Es crítico y reconoce sus limitaciones.
- Tiene mayor destreza en la aplicación del color, la textura y el claroscuro.
- Está más atento a la composición, las proporciones de las figuras y la perspectiva.

Materiales que pueden utilizarse según las etapas de desarrollo del niño.
En esta etapa se recomienda la utilización de lápices de cera, tizas de colores, papeles de diversos formatos, témpera, arcilla, masa flexible, plastilina, esponjas con diversas texturas, sellos, estarcido, plegados, madera, recortes de diversos materiales, cola plástica, telas, materiales de desecho, tejidos, afiches, láminas, entre otros.

Sesión 270810 Elementos de las Artes Plásticas

Las Artes Plásticas. Clasificación. Elementos de Expresión Plástica.


Introducción
Las Artes Plásticas sirven de medio para expresarse y motivan al ser humano a comunicarse, los órganos de los sentidos nos permiten conocer las cualidades sensibles de los objetos.
El arte es una disciplina que estimula altamente la estética, el buen gusto y la creatividad de quienes lo practican.

Elementos de Expresión Plástica.

La Línea: Al recorrer una superficie con la punta de un lápiz, un creyón, una tiza o cualquier otro material se obtiene un trazo, con él se da forma a los objetos y delimitas espacios, se establece un camino para el recorrido visual
En los trazados que se realiza para dibujar cualquier objeto se pueden usar diferentes tipos de líneas: rectas, curvas, mixtas y quebradas
Tipos de líneas:
. Rectas: tienen uniformidad y continuidad y pueden ser verticales, horizontales y oblicuas.
. Curvas: tienen forma de onda, pueden ser onduladas, en espiral, cerradas y abiertas.
. Mixtas: combinación de rectas y curvas.
. Quebradas: formadas por segmentos de rectas unidas entre sí.

La Textura: Es el aspecto externo de los materiales y se puede aplicar a la pintura, escultura y arquitectura. La textura está íntimamente relacionada con el sentido del tacto a través de él sentimos las cualidades externas de los objetos.
Las diversas texturas producen sombras que varían con los cambios de luz dando a las superficies múltiples cualidades.

Tipos de textura: puede ser táctil y visual, aunque ambas están relacionadas.
Textura táctil: cuando se puede percibir a través del sentido del tacto.
La textura visual: se percibe únicamente por el sentido de la vista, no podemos comprobarla con el tacto y son presentados en un dibujo, afiche, pintura, fotografía, en una imitación del mármol, madera, etc.

Aplicaciones de la textura: en la pintura, cuando se prepara la superficie sobre la que se va a pintar (el soporte) con baños de goma, o arena, también lo alisan, pulen o corrugan; en la escultura cuando el artista realiza tratamientos especiales a las superficies que utilizan mediante el procedimiento de rayado, picado, raspado, etc. y en la arquitectura cuando se incorporan diversos materiales como ladrillo, piedra, mármol, yeso, etc. en una construcción.

El valor: un objeto no tiene la misma iluminación por todos sus lados, en uno refleja mayor cantidad de luz y en otra menor cantidad; a este efecto en las artes plásticas se le denomina valor. Cuando se observa un objeto iluminado, se puede distinguir tres zonas:
a-. Una completamente iluminada (claridad)
b-. Otra menos iluminada (sombra propia)
c-. Una sombra que se proyecta
El valor está dado por el empleo del blanco y del negro, la claridad significará el blanco y la oscuridad significará el negro, las variaciones entre el blanco y el negro serán los diversos tonos de grises.
Se debe tener presente que el valor es propiedad de cualquier color, basta someter un color a la combinación progresiva del blanco hasta aclararlo totalmente, o a la combinación también progresiva del negro hasta oscurecerlo totalmente.

El Color:

La más perfecta y armoniosa reunión de los colores, la admiramos en el Espectro Solar.
Los objetos poseen color porque ciertas superficies tienen la propiedad de absorber algunos elementos de la luz y reflejar los restantes.
Para que exista el color debe haber luz. La luz es una vibración. Cada color tiene su longitud de onda y vibración.

Los colores primarios son: el azul, el rojo y el amarillo y se les denomina así porque constituyen la base primaria para toda mezcla. También se les denomina puros.
Colores secundarios se obtienen por la mezcla de dos primarios.
Colores terciarios, se obtienen por la mezcla de un primario con un secundario.
Colores complementarios son los que están ubicados en el diámetro opuesto dentro del Círculo Cromático. Ejm: el amarillo con el violeta.
Colores análogos son los que están adyacentes en el Círculo Cromático. Ejm. Azul verdoso.
Colores cálidos son aquellos que están comprendidos entre el rojo y el amarillo, dentro del Círculo Cromático. Son los colores de la Luz, son luminosos, alegres y parecen estar en movimiento.
Colores fríos están comprendidos por los azules, verdes y violeta. Son colores sedantes, estáticos, sombríos y tristes.